20.10.09

El compositor cinematográfico en el cine español. De Pablo y Saura.

El pasado miércoles día 7 de octubre se cerraba en el CaixaForum de Madrid el ciclo “Música en el cine” y fue la encargada de clausurar dicho ciclo la ponencia “La música en el cine español” pronunciada por Josep Lluís i Falcó, profesor de Historia del Cine y Lenguaje audiovisual de la Universitat de Barcelona.

El conferenciante habló sobre la música en el cine español en general, pero sobretodo centró su atención en el compositor de cine español, una figura, según él, prácticamente inexistente. En palabras del propio Lluís i Falcó “[En España] No hay compositores de cine, sino compositores o músicos que componen a veces para el cine, como sería el caso de Alberto Iglesias (Volver, de Pedro Almodóvar) o Pepe Nieto (Carmen, de Vicente Aranda). También el de Joaquín Rodrigo, Joaquín Sabina o Lluís Llach, estos últimos compositores cinematográficos eventuales”. Ante esta contundente afirmación, uno se pregunta por qué no surgen compositores cinematográficos en un país que ha demostrado sobradamente su talento en el mundo de la música y es que quizás el compositor cinematográfico –aquel que dedica una parte importante de su vida completamente al cine– no pueda vivir de una industria que no esté aún suficientemente desarrollada o no sea lo bastante grande, como es la del cine en España.

Si bien es cierto, pues, que es difícil encontrar un compositor dedicado de manera casi exclusiva a la composición para cine, no es imposible, y así lo demuestran figuras de la talla de Pedro Iturralde (conocido saxofonista navarro) o de Luís de Pablo. La trayectoria de este último compositor fue destacada por el profesor Lluís i Falcó dada la estrecha relación artística que De Pablo mantuvo con directores tan destacados como Víctor Erice (El espíritu de la colmena) y en especial por lo prolífico de su colaboración, Carlos Saura (La caza, Pepermint frappé, La madriguera, El jardín de las delicias, Ana y los lobos, La prima Angélica), que se rompe, como señaló Lluís i Falcó, cuando Saura le pidió que compusiera música “como los marismeños sin ser los marismeños” a lo cual el músico se negó rotundamente. Aún así, cabe destacar los éxitos que ambos artistas obtuvieron durante su etapa de colaboración.

“La caza” fue el film encargado de mostrarnos el resultado que se consigue cuando una buena película coincide con una buena banda sonora y en la que, además, se empieza a apreciar esa melomanía de Saura, tan acentuada en sus últimas producciones (Flamenco, Tango, Iberia... ).

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18.10.09

Sitges '09: Crónica de un festival (I)


La verdad es que una popcorneadora como yo nunca se hubiera planteado acabar en el Festival de Sitges (el fantástico y el terror no son mis géneros favoritos). Pero allí acabé, sí. 12 días entre bambalinas y aprovechando cada segundo posible para ver algo de cine y después contaros todo, que nuestro querido PopCorner está un poco abandonado.

Este año el festival homenajeaba a Alien, en el 30 aniversario de su producción. Y esta fue una de las primeras películas proyectadas en el Auditori del Melià, con la presencia de su productor, Walter Hill, que comentó anécdotas de la película para el disfrute de todos los fans. Por ello, la campaña publicitaria de este año giraba entorno a este clásico del cine.




Uno de los premiados en la ceremonia de inauguración con el Gran Premio Honorífico fue el actor Malcom McDowell, al que todos conocereis más por su papel protagonista en una de las películas míticas de Stanley Kubrick: La naranja mecánica.

Una inauguración caracterizada por el preestreno de REC 2, una de las películas más esperadas del festival junto a Orphan, The Imaginarium of Dr.Parnassus, Moon, Carriers, Tetsuo: The Bullet Man, Thirst o Enter the Void. Pero de las películas ya hablaremos en otra crónica.

Aunque el gran triunfador del festival fue Duncan Jones (o también conocido por ser el hijo de David Bowie) con su película Moon, también recibieron premios Enter the Void (Mención Especial y mejor fotografia) o The Eclipse, que ganó el Méliès d'Argent a la mejor película europea .

Os dejo con el palmarés para, muy pronto, comentaros lo mejor (y lo peor) del festival.

OFICIAL FANTÀSTIC

Millor Curtmetratge
One of those days d'Hattie Dalton

Menció Especial
The boy who wouldn’t kill de Linus de Paoli

Millor Disseny de Producció - Patrocinat pel Parc Audiovisual de Catalunya
Tony Noble per Moon

Millors Efectes de Maquillatge
Kaatje Van Damme per Mr. Nobody

Millors Efectes Especials
C.O.R.E. Digital Pictures, Mac Guff, BUF per Splice

Millor Banda Sonora Original
Teresa Barrozo per Kinatay

Millor Fotografia
Benoit Debie per Enter the Void

Millor Guió
Nathan Parker, basat en la història original de Duncan Jones, per Moon

Millor Actriu
Ex-aequo: Elena Anaya per Hierro i Kim Ok-vin per Thirst

Millor Actor
Sam Rockwell per Moon

Millor Director
Brillante Mendoza per Kinatay

Premi Especial del Jurat
Enter the Void de Gaspar Noé

Millor Pel·lícula
Moon de Duncan Jones

Millor Pel·lícula FANTÀSTIC
Ex-aequo: Dogtooth (Canino) de Yorgos Lanthimos i Les derniers jours du monde d’Arnaud Larrieu i Jean-Marie Larrieu

Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture MIDNIGHT X-TREME
Wasting Away de Matthew Kohnen


NOVES VISIONS

Millor Pel·lícula - Patrocinat pel SEAT
Deliver us from Evil d'Ole Bornedal

Menció Especial
Van Diemen’s Land de Jonathan auf der Heide

Diploma Pel·lícula No Ficció
Best Worst Movie de Michael Paul Stephenson

Diploma Pel·lícula Discovery
Amer d’Hélène Cattet i Bruno Forzani


PREMI NOVA AUTORIA SGAE – INSTITUT BUÑUEL

Millor Direcció
Swingers de Javier Rodríguez Espinosa, presentat per l’ESCAC-Escándalo Films

Millor Guió
44987373-V de Robert Ors Griera, presentat pel Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC)

Millor Música Original
The last drag de Gonçal Perales Roy, presentat pel Centre d’Estudis de Tècniques d’Animació de Catalunya · 9 ZEROS

MENCIÓ ESPECIAL per la qualitat general del treball
Pin up de Tania Verduzco, presentat pel Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC)


ORIENT EXPRESS - CASA ÀSIA


Millor Pel·lícula
Ip Man de Yip Wai-shun


ANIMA'T – Premi Gertie

Millor Llargmetratge d’Animació
Summer Wars de Mamoru Hosoda

Millor Curtmetratge d’Animació
Le petit dragon de Bruno Collet

Millor Llargmetratge d’Animació per a Nens
Panique au village de Stéphane Aubier i Vincent Patar


MÉLIÈS D’ARGENT

Méliès d’Argent a la Millor Pel·lícula Europea
The Eclipse de Conor McPherson

Méliès d’Argent al Millor Curtmetratge Europeu
One of those days d’Hattie Dalton

MÉLIÈS D’OR
Méliès d’Or a la Millor Pel·lícula Europea Best European Motion Picture
Martyrs de Pascal Laugier

Méliès d’Or al Millor Curtmetratge
Cold and Dry de Kristoffer Joner, codirigit i produït per Bjørn Arne Odden


Gran Premi del Públic El Periódico de Catalunya de Catalunya

Millor Pel·lícula
Zombieland de Ruben Fleischer


PREMIS DE LA CRÍTICA

Premi de la Crítica Jose Luis Guarner
Les derniers jours du monde d’Arnaud Larrieu i Jean-Marie Larrieu

Premi Citizen Kane al director/a revelació
Dogtooth (Canino) de Yorgos Lanthimos


BRIGADOON Paul Naschy


Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Best short film
Torbellino de hostias d’Adrián Cardona


Premi Ben & Jerry’s
[REC]2 de Jaume Balagueró i Paco Plaza


No dejéis de ir al cine, y no dejéis de popcornear!

19.8.09

Instantànies del cinema espanyol

Els amants del cinema tenen aquests dies una oportunitat única per descobrir a través de més d’un centenar d’imatges el que ha estat (o més aviat podria ser) una història del cinema espanyol. Fins el dia 30 d’agost el Centro de Historia de Zaragoza ens convida a fer un recorregut per un segle de cinema a Espanya amb l’exposició “Cine espanyol. Una crónica visual” organitzada per la Sociedad Municipal Zaragoza Cultural, l’Instituto Cervantes i Lunwerg Editores.


Són cent vint les instantànies que ens conviden a reflexionar sobre el que ha significat aquest segle de cinema a l’estat espanyol no només en referència a la pròpia història d’aquesta activitat en concret, sinó també al que ha aportat a la història d’un poble que ha creat un imaginari col·lectiu en base a aquest art. La “crónica visual” que dóna nom a aquesta mostra ens permet repassar les obres i els autors més significatius de la cinematografia nacional, a més d’ensenyar-nos com el cinema és també un testimoni viu de la nostra cultura, una eina capaç de deixar constància de la nostra història, els nostres costums i, com ja s’ha dit, capaç de contribuir a configurar la identitat d’un país i, fins i tot, la pròpia. La “crónica visual” del cinema espanyol es converteix, d’alguna manera, en la crònica d’un país que creix i es transforma al llarg d’aquests anys paral·lelament al cinema. Això es fa evident a mesura que recorrem l’exposició i veiem com, amb encert, els organitzadors ens mostren els temes i els tòpics més representats a la gran pantalla els quals estan estretament lligats amb el context històric en què es produeixen. Com diu Román Gubern a “Historia del cine español” el cinema espanyol, tenint en compte que ha sofert una evolució atípica, molt diferent a la d’altres cinematografies nacionals, ha estat almenys “un mirall directe o indirecte de les mentalitats prevalents en cada època, de les seves costums, les seves modes, dels seus prejudicis, els seus mites i les seves frustracions” i afegeix “El nostre cinema ha estat testimoni de la crisi de la monarquia borbònica, de la Setmana Tràgica, de la Guerra del Marroc, de l’adveniment de la República, d’una guerra fratricida, del trànsit de la desmaiada Espanya de l’autarquia a la del desenvolupament econòmic i de les llibertats públiques recobrades”.

Què millor, doncs, que el suport bàsic sobre el qual es constitueix el cinema, la imatge, per il·lustrar cronològicament el que ha estat la història del cinema i incitar-nos a configurar la nostra història emmirallant-nos en els records que ens aporta el cel·luloide.


Cal destacar com un dels punts forts d’aquesta exposició l’audiovisual Cerca y lejos. Imágenes del cine español” dut a terme per Marta Javierre i Fernando Carmena, que complementa la mostra i ens acompanya en un nou recorregut per les imatges i els sons més destacats de la filmografia espanyola per repensar-los. Establint noves i a vegades xocants relacions entre alguns dels films més destacats del panorama cinematogràfic del nostre país, aquesta peça pretén guiar-nos novament per la història del cinema espanyol, però donant-nos a entendre que les actuals produccions no deixen de tenir lligams amb les primeres passes donades (Ho veiem, per exemple, en la constant mescla de fragments de la interpretació que Imperio Argentina fa de "Los Piconeros" amb una escena similar de Penélope Cruz a "La niña de tus ojos" de Fernando Trueba).


"Cine español. Una crónica visual" és una magnífica oportunitat per apreciar el nostre patrimoni cinematogràfic i per comprendre que existeix un cinema espanyol de qualitat, que va molt més enllà de la comèdia gamberra d'adolescents, i que és tan digne d'estudi i de reflexió com qualsevol.

11.6.09

Revolución en blanco y negro


Wilkomen, Bienvenue, Welcome de nuevo al PopCorner. ¿Nos echabais de menos? Pues el PopCorner sigue adelante.

Como corresponsal especial del PopCorner en Viena, lamento deciros que la actualidad cinematográfica está algo desfasada, así que ayer acudí al preestreno de CHE: Revolución (si, en españa se estrenó en septiembre), pero como el Popcorner lo empiezan a leer por toda Europa, os daré mi modesta  opinión sobre la película.

La película, dirigida por Steven Soderbergh (Ocean's eleven, twelve y thirteen), narra en dos partes/películas (CHE: Revolución y CHE: Guerrilla) la vida de Ernesto Guevara (interpretado por un gran Benicio del Toro), médico, revolucionario y protagonista de gran parte de los hechos que hacen que Cuba esté como está hoy en día.

Esta primera parte sobre la vida del Che, capta varios momentos de su historia a través de constantes flashbacks y flashforwards. Empieza con el momento en que Ernesto Guevara y Fidel Castro se conocen, y cómo empiezan hablar sobre cómo debe organizare la revolución. A partir de aquí, va narrando los hechos acontecidos posteriormente: la organización de un ejercito revolucionario, cómo poco a poco van ganando seguidores... Y Soderbergh aquí va intercalando imágenes en blanco y negro de sucesos posteriores a la revolución, cómo la llegada del Che a las Naciones Unidas, y la entrevista de una periodista norteamericana (Julia Ormond). Es a través de las preguntas y respuestas de esta entrevista que Soderbergh organiza el film, incluyendo las imágenes de la revolución conforme la entrevista habla de esos sucesos.


Soderbergh juega a hacer documental, aunque de una manera inversa, ya que los hechos más recientes son los grabados en blanco y negro, mientras que todas las escenas de la revolución son en color, como si fuera la actualidad. Este cambio constante entre color y blanco y negro, le da a la película mucho ritmo y dinamismo, cosa que siendo una película larga se agradece, aunque por la calidad de las imágenes, si hubiese sido toda en blanco y negro hubiera ganado expresividad (¿porqué inventarían las películas en color?).

La única pega que tiene la película es que los personajes son muy planos, blancos o negros, no hay escala de grises. O son buenos, o son malos, y ya se sabe que el ser humano tiene luces y sombras. Con personajes tan poco trabajados, el Che y Fidel Castro (gran interpretación de  Demián Bichir) quedan idealizados, y le roba credibilidad a la película.

Pero aún y así, merece la pena verla, aunque sea en Spanglish con subtítulos en alemán.


16.5.09

Adéu, adiós, bye, adieu... o hasta pronto!

Esta es probablemente la última semana de vida del popcorner... ¿O quién sabe? quizás tendrá continuidad, aunque no como lo hemos conocido hasta ahora.

Llegamos a final de curso y se acerca también el fin de la asignatura que vio nacer este blog. Algunos nos marchamos, otros se quedan. Este extraño grupo que ha creado el popcorner (los únicos individuos de 3r curso que había en la clase de Teoría y crítica del film, a excepción de Álex!) se separa.

Nos quedan los buenos momentos; también las prisas por colgar las críticas, XD. Pero sobretodo nos queda lo que hemos aprendido y que hemos intentado trasladar a este rinconcito de internet, donde han tenido cabida todo tipo de artículos relacionados con el mundo del cine: estrenos, crónicas, apuntes biográficos y críticas (y hasta críticas que no son críticas o no han sabido serlo).

Por mi parte, sólo quiero agradecer a los seguidores de popcorner que nos hayan querido acompañar en este corto camino y proponer a los popcorneadores si quieren retomar las publicaciones en el blog dentro de unas semanas, cuando ya estemos recuperados del estrés que padeceremos en los próximos días.

Empezábamos diciéndoos Wilkomen, Bienvenue, Welcome y yo termino despidiéndome con un adéu, adiós, bye, adieu o con un hasta pronto, que siempre sabe mejor.

Estrenos


Ángeles y demonios
Director: Ron Howard
Reparto: Tom Hanks, Ayelet Zurer, Ewan McGregor, Stellan Skarsgard

Género: Thriller
País: EEUU, 2009








Fighting: Puños de asfalto
Director: Dito Montiel
Reparto: Channing Tatum, Terrence Howard
Género: Drama
País: EEUU, 2009









El albergue rojo
Director: Gérard Krawczyk
Reparto: Christian Clavier, Josiane Balasko, Gérard Jugnot
Género: Comedia
País: Francia, 2007.








Cosas insignificantes
Director: Andrea Martínez Crowther
Reparto: Carmelo Gómez, Lucía Jiménez, Paola Mori, Arturo Ríos

Género: Drama
País: España, México; 2008









Carmo
Director: Murilo Pasta
Reparto: Fele Martínez, Márcio Garcia, Mariana Loureiro

Género: Aventura, Drama Romántico
País: Brasil, España, Polonia; 2008








La posibilidad de una isla
Director: Michel Houellebecq
Reparto: Ramata Koite, Benoît Magimel, Patrick Bauchau, Jordi Dauder
Género: Ciencia Ficción
País: Francia, 2008









Billu barber
Director: Priyadarshan
Reparto: Lalit Parashar, Priyanka Chopra, Deepika Padukone, Kareena Kapoor, G. Asrani, Rajpal Yadav, Om Puri, Lara Dutta, Irrfan Khan, Shahrukh Kha
Género: Comedia Musical
País: Índia, 2009

13.5.09

Cuatro compra sangre japonesa

Ambientada en la actualidad, “True Blood” nos transalada a las profundidades de un pueblo de Louisiana, Nueva Orleans, donde de repente empiezan a ocurrir cosas extrañas. Los japoneses han inventado una bebida de sangre humana sintética que sabe igual que la de verdad y que también logra calmar la sed de los vampiros: el TruBlood. Este invento supone una auténtica revolución social. Gracias a ello muchos vampiros han decidido salir de sus ataúdes e insertarse en el mainstream de la sociedad. Se ha formado la Liga por los Derechos de los Vampiros, tienen sus propios bares y son el objeto de deseo sexual de muchos humanos por la fama que tienen de buenos amantes. Los vampiron ya no necesitan la sangre humana, pero algunos de ellos siguen pegando bocaditos a los mortales solo por placer. La sangre de los vampiros también es objeto de deseo de los humanos ya que actúa como bebida energética y mejora su vida sexual. El “V Blood” se comercializa como droga en el mercado negro. Los vendedores lo extraen a través de la drenación, matando al vampiro que lo ha “donado”.




En las costas americanas la situación está más normalizada, pero en el pueblecito de Louisiana el mundo vampiril sigue siendo un tabú. Algunos vecinos se han acostado con vampiros, otros subministran o toman “V Blood”, pero la version oficial es de rechazo y miedo hacia ellos. Cuando Bill Compton pone pie en el bar local y la joven camarera Sookie se fija en él, se pone el grito en el cielo. Sookie es una rubia de aspect angelical que posee un don especial: puede leer la mente. Si no hace un esfuerzo especial, oye contínuamente lo que los demás estan pensando. Esto le pasa con todos excepto con Bill y el misterio que esto le produce pronto se convierte en deseo y acaba enamorada de él.


Alan Ball es el guionista de esta serie basada en las novelas de Charlaine Harris. Ball, que es el autor del guión de Six Feet Under y de American Beauty, vuelve acertar con True Blood creando una serie de vampiros diferente que se mueve entre el género terror, el culebrón y la comedia. El humor se logra a través del uso de estereotipos en los personajes. Tyra, la mejor amiga de Sookie, es una negra vaga, malhumorada, que busca cualquier escusa para acusar a sus compatriotas blancos de discriminación racial. Lafayette, el primo de Tyra, interpreta a un gay muy afeminado, transvestido, obsesionado con el sexo y que trafica todo tipo de drogas. El sheriff y su ayudante son los típicos agentes de la ley que no tienen ni idea de actuar cuando ocurre algo de verdad en el pueblo. Los vampiros malos también responden a estereotipos y son representados como vividores, que frecuentan bares de estética gótica y que son sexualmente muy liebertinos. Sookie, la protagonista, es el prototipo de chica buena de película de miedo, una virgen un poco inocente pero a la vez lista y emprendedora. La parte dramática reside en las historias de amor y amistad entre estos personajes.


A parte de amor y comedia, sigue siendo una serie de vampiros y por lo tanto también hay terror, mucha sangre y otros elementos característicos del canon del género terror, en concreto de vampiros. La creación del miedo en el espectador es el elemento fundamental, esto se consigue a través de la intriga, se nos da la información con cuentagotas y el espectador está contínuamente en tensión por lo que ocurrirá a contuniación. Como en la mayoría de películas de terror trata un tema irracional, en este caso los vampiros y la inmortalidad. Bill, el vampiro estrella de la serie, responde al prototipo que construyó Tod Browning en 1931 y que se ha ido repitiendo en numerosas obras desde entonces. Es misterioso, caballeresco y desprende un aura especial que hipnotiza e intimida a los humanos que le rodean. Cuando Bill entra en escena el tiempo se para, empieza a sonar una música tétrica y el fondo sobre el cual está colocado se funde a negro. La organización jerárquica del clan de vampiros también suele ser una constante que ya hemos visto en Buffy, la Cazavampiros, en Blade y en 30 Días de Oscuridad. Todos estos elementos típicos que se repiten ayudan a una major comprensión de la trama ya que el espectador sobreentiende determinados aspectos gracias a la adquirida “culturilla general” sobre los vampiros.


Como en American Beauty, el fondo de la trama es una crítica a la sociedad americana. En este caso crítica las mentes cerradas de muchos sureños, la hipocresía y la doble moral que hay frente a temas de minorías. True Blood hace una reivindicación de las minorias, sobretodo de las homosexuales. Ball establece un paralelismo entre la salida del armario de los gays y los transvestido y la salida de las tumbas de los vampiros. La historia se repite: prejuicios, tópicos absurdos, la hipocresía y mucho escepticismo. Los vampiros tiene fama de “salidos”, desviados sexuales, tal como lo han tenido los gays que en su día fueron calificados de “queer”. La performatividad se aprecia tanto en Lafayette, el gay del pueblo, como en los vampiros malos. Ambos presentan indumentaria y actitudes que corresponden a un estereotipo llevado al extremo. Ninguno de los dos colectivos puede integrarse completamente pero a escondidas, son muchos los vecinos que disfrutan de los servicios que estos les proporcionan.


Se trata de una serie entretenida e interesante que ha tenido un gran éxito en Estados Unidos y que podrá verse proximamente en Cuatro. Aviso: los créditos del principio ya son altamente adictivos. Cuando prueben una dosis de TruBlood, quedarán sedientos de más.


La (de)construcció del geni

Tres genis coincideixen en una mateixa època, en una mateixa ciutat i en un mateix espai. Els genis: Salvador Dalí, Federico García Lorca i Luis Buñuel. La ciutat, Madrid. L’espai: la “Residencia de Estudiantes”. Quin gran moment històric per portar al cinema! Què apassionant la convivència entre aquests i els molts d’altres artistes que van coincidir entre els murs de la residencia madrilenya.


Ha arribat a les nostres pantalles la pel·lícula “Sin Límites” (Little Ashes) dirigida per l’anglès Paul Morrison (Solomon and Gaenor) i coproduïda entre Espanya i Regne Unit. Javier Beltran com a Lorca, Robert Pattinson com a Dalí i Matthew McNulty com a Buñuel, encapçalen un curiós repartiment que complete Marina Gatell com a Magdalena (escriptora i companya de Federico García Lorca) i Arly Jover com a Gala.


L’acció s’ubica al Madrid de 1922 i s'allarga en el temps fins els primers dies de l'esclat de la Guerra Civil. Comença amb la Dictadura de Primo de Rivera i finalitza amb l'adveniment de la de Franco, passant per un període de República. Una època convulsa al mateix temps que fascinant a la qual el film fa l'ullet a través de les converses entre els personatges principals, els "Vive la revolution" o la interpretació no gens casual, tan a l'aparició de Dalí a la residencia com en la detenció final de Lorca, del "Revolucionari" de Chopin al piano, instrument que el poeta dominava a la perfecció.


El punt de partida de "Sin Límites" és el moment en què el pintor català Salvador Dalí arriba a la Residencia de Estudiantes. La seva timidesa extrema, la seva peculiar forma de vestir (barretina, americana de vellut i camisa de volants) i el seu talent criden ben aviat l’atenció dels altres companys de residencia, en especial de Luis Buñuel (el jove líder, amant de les avantguardes i difusor de les idees revolucionàries) i Federico García Lorca (el poeta que comença a ser conegut, sensible i talentós). Els tres personatges creen una forta amistat que es veurà amenaçada a mesura que avanci l’acció pel confrontament dels egos, la gelosia i l’ambició. Si bé aquest és el punt de partida de Morrison, la relació dels tres amics i l’estil de vida que porten a la residencia deixarà pas a una altra història; el focus d’atenció es desviarà cap a un Dalí i un Lorca que cada vegada se senten més atrets l’un per l’altre i la trama se centrarà en l’evolució d’una relació que marcarà la vida i l’obra de tan grans personatges del segle XX.


EnsEns podríem preguntar per què no s’ha dut a terme abans un film com aquest a Espanya (fora del tracte de passada que li dóna Carlos Saura "Buñuel y la mesa del rey Salomón") i probablement encertaríem la resposta si ens fixem en un dels principals temes que tracta “Sin Límites”: la relació homosexual que probablement va existir entre els dos artistes (ja apuntada i tractada, entre d’altres, per Ian Gibson a “Federico García Lorca: De Fuente Vaqueros a Nueva York”, primer volum de la biografia del poeta, i a “Lorca-Dalí: el amor que no pudo ser”). L’homosexualitat ha estat fins fa relativament poc un tema tabú en la nostra societat i fins i tot s’ha intentat amagar la sexualitat d’autoritats en el món de l’art i la literatura com la del mateix Lorca o la de Luis Cernuda. En aquest film s’aprecia també què comportava ser homosexual a principis del segle XX; des del propi rebuig (en el cas de Lorca i, més tard, de Dalí que no aclaria quina havia estat la seva relació amb Lorca i al qual Gala li recordava constantment que l’havia “salvat” de l’homosexualitat) al despreci i la incomprensió per part dels amics. De fet, Luis Buñuel a “Sin Límites” abandona la residencia rumb a París desenganyat i furiós en descobrir que el tracte entre els seus dos millors amics va més enllà del que és la simple amistat i serà aquesta fòbia vers el diferent el que el motivarà a separar els dos amants i que farà que es converteixi en el personatge antagònic de la pel·lícula.


Un Un altre aspecte interessant del film és com retrata el procés de transformació de Salvador Dalí. Com arriba aquell jove de Figueres de mirada torbada a convertir-se en l’home extravagant i admirat arreu del món? El mateix Dalí ens dóna la clau a l’inici de “Sin Límites”. En una escena Buñuel li pregunta amb aires de superioritat:


– Nom?

– Salvador Dalí Domènech.

– Interessos?

– Dadà, anarquia... i la construcció d’un geni.

– Quin geni?

– El meu.


El seu projecte de construcció del propi geni (que pels espectadors esdevé un procés de deconstrucció) el duu pel camí de l’experimentació, primer amb el propi cos (assajant gestos efeminats davant el mirall, tallant-se els cabells, canviant la forma de vestir, més endavant deixant-se el seu conegut bigoti...) i després amb la seva pintura (passant d’una primera fase cubista al surrealisme). D’aquesta manera, per soterrar la seva personalitat de naturalesa tímida i introvertida recorre al transformisme i a l’exageració com a instruments per crear el personatge tal i com el coneixerem per sempre més. En el camí cap a la “genialitat” no l’aturarà ni la seva relació amb Lorca, una decisió que li costarà cara. Dalí sap de la mort del poeta per la ràdio, mentre pinta; és en aquell moment que tristament s’adona que encara l’estima i la ràbia l’empeny a destrossar el quadre. Gala el crida per anar a sopar i ell, lluny de romandre en aquell instant de debilitat en què es desmorona el geni, encara el portarà més a l’extrem (empastifant-se tot de pintura, esmoquin inclòs, i dibuixant un somriure que ratlla la bogeria).


Destaca també en el personatge de Dalí l’afany pel psicoanalisme i la fascinació per Freud i el seu llibre dels somnis (present en l’escena amb Buñuel abans comentada). El somni, el viatge al subconscient, serà, precisament una font d’inspiració inesgotable pel pintor. I relacionat amb la qüestió de la psicoanàlisi, precisament, trobem a un Dalí voyeur, que assumeix aquesta posició quan, en el seu intent frustrat de mantenir relacions sexuals amb Lorca, es dedica a contemplar-lo l’únic cop que aquest fa l’amor amb Magdalena.


Paul Morrison i Philippa Goslett (guionista) han dut a terme un minuciós treball de recerca per aconseguir recrear fidelment una època i les vides d’uns personatges marcats a parts iguals per l’èxit i la tragèdia. I encara més difícil: han sigut capaços de no frivolitzar amb un tema tan delicat com és la relació entre Federico García Lorca i Salvador Dalí i portar-lo amb èxit a la gran pantalla i de no deixar que aquest tema eclipsi les altres qüestions abordades en el film. Per sobre de tot, han aconseguit que l'espectador conegui una mica més aquests tres genis de la cultura i que sigui capaç de veure de quina manera el fet d'haver-se conegut, l'època en què es van conèixer i la relació que van mantenir va influir en la seva obra, del qual "Cenicitas" (Little Ashes) n'és un bon exemple .





¿Qué sabes de...?



Cate Blanchett

“Soy una persona afortunada, pues puedo elegir cuándo rodar una película y cuándo no”


Últimamente en boca de todos, Cate Blanchett se ha hecho poco a poco un hueco en el mundo del cine desde su papel en Elizabeth, donde interpretaba a la reina Isabel I. El reconocimiento para el gran público no obstante le llegó más tarde, con su participación en la trilogía de El Señor de los Anillos dando viva a Galadriel. El definitivo salto a la fama le llegó en 2004, cuando ganó el Oscar a Mejor Actriz Secundaria por el papel de Katherine Hepburn en el Aviador.

Actualmente está rodando Robin Hood, película dirigida por Ridley Scott y en la que participa con el también australiano Russell Crowe.

Nombre: Catherine Élise Blanchett

Fecha de nacimiento: 14 de mayo de 1969

Lugar de nacimiento: Melbourne (Australia)

¿Dónde la podemos ver?

El curioso Caso de Benjamin Button (2008)

Indiana Jones (2008)

I'm Not There (2007)

Diario de un escándalo (2006)

Babel (2006)

El Aviador (2004)

Life Aquatic (2004)

Coffee and Cigarrettes (2003)

El Señor de los Anillos (2001)

Charlotte Gray (2001)

Bandits (2001)

El Talento de Mr. Ripley (1999)

Elizabeth (1998)

Oscar y Lucinda (1997)

Premios

Oscar a la Mejor actriz de reparto por El Aviador

Globo de Oro a la Mejor actriz de reparto por I'm Not There

Globo de Oro a la Mejor actriz por Elizabeth

Premio Bafta a la Mejor actriz de reparto por El Aviador

Copa Volpi a la Mejor Actriz por I'm Not There

Premios Sindicato de Actores a la Mejor actriz de reparto por el Aviador y por El Señor de los Anillos.

Curiosidades

Abandonó sus estudios poco después de matricularse en la Universidad de Melbourne para viajar. Con 18 años visitó Inglaterra, lugar del que tuvo que marcharse forzosamente ya que expiró su Visado. De allí fue a Egipto, donde un cliente del hotel donde se hospedaba le ofreció un trabajo de extra en una película. Al volver a Australia se inscribió en el Instituto Nacional de Arte Dramático de Sidney.

Contando a Cate, tan sólo 11 actores han estado nominados un mismo año a Mejor actor y Mejor actor de reparto al premio Oscar. Ella estuvo nominada en 2007 a actriz principal por Elizabeth: la Edad de Oro y a actriz secundaria por I'm Not There, película donde encarna a Bob Dylan.

Estuvo a punto de rodar con Brad Pitt mucho antes de El Curioso Caso de Benjamin Button. Bajo las órdenes de Darren Aronofsky iba a ser la actriz protagonista de The Fountain, pero la marcha del actor principal hizo que ella también dejase el proyecto. El papel finalmente lo interpretó la mujer del director, Rachel Weisz, junto a Hugh Jackman.

12.5.09

Los orígenes de Lobezno

Des d’un bon principi vull deixar clar que la veritat és que no es pot dir que jo sigui una experta en aquest tipus de films, però Los orígenes de Lobezno no em va desagradar. Encara que pot ser que a les persones que s’han llegit els còmics i que són experts en les històries dels protagonistes de X-Men els pugui semblar horrible, com sol passar amb les versions cinematogràfiques de les grans obres escrites.


Es tracta d’una pel·lícula repleta d’acció, amb efectes especials bastant ben aconseguits i amb la qual vaig passar una bona estona. El protagonista, interpretat per Hugh Jackman, clava el personatge de Lobezno i he de dir que em va encantar Liev Schreiber, que interpreta al seu germà Victor, el qual també té poders similars i que alhora és el “dolent” de la història. És a dir, l’antítesi del seu germà, el qual l’únic que vol és fugir de la seva part més “animal” sense arribar a aconseguir-ho.

A més, el film té un bon ritme que no et permet avorrir-te a la butaca i alhora explica la història del passat d’aquest personatge de ficció, fet que fa que sigui possible entendre moltes coses de les pel·lícules d’X-Man i que et deixa amb les ganes de saber si Lobezno acabarà descobrint la seva autèntica veritat.


Una curiositat que em va agradar molt és quan apareixen alguns dels futurs X-Men quan són joves, com Ciclope, el qual ja es caracteritza per haver de portar sempre ulleres de sol. També cal destacar la forma entranyable que utilitzen per a explicar els orígens del nom del protagonista. Jo em pensava que aquest nom li venia donat a causa del seu aspecte físic, bastant similar al d’un home llop. Però a la pel·lícula diuen que en realitat prové d’un mite molt romàntic entre la Lluna i l’esperit Quecuatsu, el qual li explica la seva dona: